Что касается культурных ценностей, созданных после 1848 года, они в свое время просто перестали входить в огромный королевский дворец, ставший вместилищем для музея, и произведения искусства новейшего времени уехали в Музей Орсе и Центр Жоржа Помпиду. 

Впрочем, ситуацию это не очень "спасло": прекрасная коллекция Лувра по-прежнему остается необозримой, и, чтобы увидеть все эти десятки тысяч экспонатов, нужна целая жизнь. И в этом, собственно, и заключается проблема: если мы потратим целую жизнь на то, чтобы изучать экпонаты Лувра, у нас не останется времени на другие дела - тоже нужные, интересные и полезные. 

Экспонатов в Лувре такое великое множество, что оказавшись там впервые и без четко поставленной задачи, сразу теряешься, падаешь духом и совершенно не знаешь, с чего начать. Иными словами, весь визит грозит пойти прахом - из-за ругающего изобилия сокровищ Лувра отсутствия четкого плана с нашей стороны. Спасти ситуацию и призвана эта статья.  

Первое, что нужно понять, собираясь в Лувр: при всем желании вам не увидеть и десятой доли выставленных там сокровищ, и даже эта "десятая доля" будет настолько велика, что в лучшем случае вы успеете пробежать мимо всех этих культурных ценностей, которые в конце концов образуют в голове полнейшую кашу, грозящую довести вас до безумия.

 Отсюда вывод - в Лувр не ходят для того, чтобы посмотреть весь Лувр. И в Лувр не ходят для того, чтобы посмотреть его часть. В Лувр ходят для того, чтобы увидеть несколько конкретных интересующих вас работ. 

А если речь идет о первом визите, то в Лувр идут для того, чтобы увидеть "самое-самое" - это по меньшей мере логично! В этой статье мы как раз и представили самые выдающиеся (разумеется, с нашей точки зрения) шедевры Лувра, увидев которые, вы сможете с чистой совестью воскликнуть: "Ну, всё! Миссия выполнена! Я сделал всё, что планировал, я увидел главные шедевры Лувра, затратил на это всего три часа - и теперь могу спать спокойно!"

Итак, величайшие шедевры Лувра, увидев которые, вы сможете спать спокойно! 

Картина "Свобода, ведущая народ" (известная также, как "Свобода на баррикадах") была написана виднейшим представителем французского романтизма Эженом Делакруа (1798 - 1863) в 1830 году и в одночасье сделалась знаменитой, со временем войдя в число самых известных работ в истории мировой живописи вообще. 

Такое стало возможным не столько благодаря художественным достоинствам картины (которые несомненны), сколько "правильно уловленному моменту".

"Свобода, ведущая народ" была написана сразу после "июльской революции" 1830 года во Франции, когда пыл от недавних разрушительных действий еще не остыл, и французы в очередной раз питали иллюзии, что уж теперь-то точно наступит "совсем другая жизнь" - чего, вопреки наивным ожиданиям, не произошло...читать полностью

Вообще, мне приходилось неоднократно наблюдать эту картину в Лувре, в извечном окружении увлеченно делающих селфи на ее культовом фоне китайцев - и не скажу, чтобы "Мона Лиза" сразу, с первого взгляда производила сногсшибательный "Вау-эффект", какой, например, нередко производят оригиналы некоторых картин Диего Веласкеса, Иеронима Босха, Яна Вермеера или того же Сальвадора Дали.

Но это, во-первых, исключительно мое мнение, а во-вторых, автором "Джоконды", не будем забывать, является сам Леонардо да Винчи - художник, ученый, изобретатель и вообще один из самых одаренных представителей человеческой расы за всю историю ее многострадального существования. 

Сам термин «человек эпохи Возрождения» (т. е., человек, щедро одаренный Матушкой-Природой в самых разных сферах) и был, собственно говоря, придуман благодаря множеству талантов Леонардо, а в наши дни используется для обозначения людей, столь же разносторонних с точки зрения присущих им талантов.

Считается, что изображенная на картине "Мона Лиза" женщина - итальянская дворянка по имени Лиза дель Джокондо, жена богатого флорентийского торговца шелком по имени Франческо дель Джокондо. Картина была заказана для нового дома и в честь рождения их второго сына Андреа...читать полностью

Вряд ли можно представить себе ситуацию, при которой человек, впервые посещающий Лувр, не захочет увидеть Венеру Милосскую. Это общепризнанный на мировом уровне шедевр - хотя с ним всё далеко не так просто! 

Вообще-то Венера - это имя из римской мифологии. А скульптура, о которой идет речь - древнегреческого происхождения. Так что перед нами в лучшем случае - изваяние богини любви Афродиты, выполненное из белого мрамора и представляющее собой тип так называемой Афродиты Книдской, которую римляне окрестили Венерой стыдливой (Venus Pudica).

А поскольку именно римляне, как мы знаем, долгое время "командовали парадом", всех Афродит они "перекрестили" в Венеры - да так это имя и прижилось. Что-то похожее случилось в свое время с женой Сальвадора Дали, урожденной Еленой, которая всю жизнь была известна под именем Гала. 

"Милосская" - это, вопреки распространенному мнению, не фамилия знаменитой статуи, а отсылка к месту ее обнаружения. 8 апреля 1820 года статуя была обнаружена на острове Милос (один из Кикладских островов в Эгейском море) скромным крестьянином по имени Йоргос Кентротас. 

Монументальное (491 х 716 см) полотно Теодора Жерико "Плот "Медузы" - одно из самых знаменитых произведений эпохи романтизма, украшающее 77 зал первого этажа галереии Денон в Лувре. 

Основанием для сюжета картины послужили реальные события, приключившиеся в 1816 году у берегов Сенегала. Фрегат "Медуза" потерпел крушение, сев на мель - в результате чего решено было строить плот и перенести на него груз с корабля, что должно было помочь судну сняться с мели. Пока команда занималась строительством плота, на море началось волнение, грозившее вот-вот перерасти в шторм. 

Люди запаниковали, и капитан принял решение перейти на плот, на котором в итоге оказались 147 человек. Плот предполагалось буксировать на лодках в сторону берега, однако начинался шторм, и часть команды во главе с капитаном, находившаяся в лодках, решила, что буксировать тяжелый плот в шторм будет решительно невозможно. Кроме того, "лодочники" опасались, что пассажиры плота в панике начнут перебираться по буксировачным канатам на лодки.  В результате находившиеся в лодках, с ведома и одобрения капитана, предпочли обрезать канаты и бросить находившихся на плоту людей на произвол судьбы. 

Для оставшихся на плоту начался ад. Люди сразу же разделились на две противоборствующие группы и вступили в противостояние. В первую ночь было убито более двух десятков человек. десятки людей погибли во время шторма. На четвертый день в живых осталось 67 человек, многие из которых, не имея запасов пищи, стали поедать трупы умерших. 

На восьмой день 15 самых сильных из оставшихся на борту выбросили с плота всех слабых, а заодно и оружие, чтобы не перебить друг друга. Тринадцатидневное скитание плота "Медузы", обретшее поистине аллегорический характер, и послужило основой для сюжета картины Жерико. 

Ах, эти удивительные мадонны Рафаэля! За карьеру Рафаэль написал их не один десяток - и это не считая созданных с учениками - тем самым обогатив сокровищницу мирового искусства самым основательным образом. За что мы любим Рафаэлевских мадонн? 

а то, что они такие узнаваемые, близкие, земные, "человечные", наконец... Так прочно соединить божественное и земное до Рафаэля не удавалось никому - и это одна из главных причин, почему Рафаэля Санти по праву считают виднейшим представителем искусства эпохи Возрождения. 

"Прекрасная садовница" - одно из сокровищ Лувра - относится к "флорентийскому периоду" в жизни и творчестве художника и потому, как несложно земетить, имеет много общего с написанными примерно в то же время "Мадонной со щеглом" и "Мадонной в зелени"...читать полностью

Картина Микеланджело Меризи да Караваджо "Смерть Марии" (1605) в свое время вызвала гранзиозный скандал. В католическом мире веками господствовало убеждение, что Богородица вознеслась на небо живой, где была увенчана Небесной Славой. И хотя "официально", на уровне папских догматов эта версия была закреплена лишь в 20-ом веке, в искусстве, тем не менее, смерть Марии не принято было изображать так, как это сделал "ужасный" Караваджо! 

А как это сделал Караваджо? Он изобразил "обычную", человеческую смерть Девы Марии - что и вызвало повсеместную негативную реакцию. Так, придворный врас папы Урбана XIII обвинил Караваджо в том, что в качестве натурщицы тот, как обычно, использовал проститутку или одну из своих любовниц; другие во весь голос возмущались совершенно неподобающей позой Богородицы.

Между тем, неприкрытый суровы реализм картины, напрочь порывающий с маньеристской традицией, стал настоящим прорывом в искусстве. Отдельно следует отметить, что художник мастерски использует малейшие нюансы светотени, придавая объем персонажам и  их одеждам. Свет распределен в картине таким образом, что заставляет глаза зрителя перемещаться от лица Девы к застывшей в порыве горя Магдалине, от нее - к фигурам апостолов и, наконец, ко всей картине целиком. 

«Умирающий раб» должен был стать парой другому произведению Микеланджело -  «Мятежный раб». Обе скульптуры предполагалось разместить по обе стороны от центральной работы с изображением Моисея  - в качестве элементов гробницы Папы Юлия II. 

Пытаясь выбрать идеальный мрамор для последнего упокоения Папы, Микеланджело отправился в карьеры Каррары, где самолично и буквально "вручную" занимался отбором каменных блоков и плит.  Обзаведясь необходимым материалом, он с рвением принялся за работу, высекая статую человека, находящегося в мучительных смертельных муках. Впоследсвтвии, однако, папа Юлий передумал и отменил заказ. 

Таким образом, еще четыре фигуры рабов (Юный раб, Бородатый раб, Атлас и Пробуждающийся раб) так и остались незаконченными и находятся во Флоренции - в то время как "Восставший рабо" и "Умирающий раб", очевидно противопоставленные друг другу - в Лувре. 

"Кружевница", написанная Яном Вермеером в 1669-1670 г.г., по мнению многих искусствоведов является самой странной работой во всем творческом наследии голландского художника - необъяснимой причудой, создавая которую, Вермеер отступил от многих своих правил.

Во-первых, работа эта непривычно мала в сравнении с другими картинами художника (всего-то 24,5 х 21 см). 

Во-вторых, Вермеер, всегда мастерски работавший с фоном и освещением, как будто напрочь забыл о своих умениях, усадив девушку напротив белой, совершенно "больничной" стены, и, к тому же, "осветив" кружевницу, как утверждают искусствоведы, довольно неряшливым образом - что должно изрядно затруднять адекватное восприятие этой вещи зрителем. 

Вместе с тем, даже критики отмечают прекрасно продуманную композицию этого маленького холста. Кроме того, при создании "Кружевницы" Вермеер, скорее всего. использовал камеру-обскуру. 

Так или иначе, картина содержит немало эффектов, свойственных фотографии: тот же размытый передний план, что невольно заставляет зрителя сосредоточться на главном и единственном персонаже картины...читать полностью

Об особой значимости этого монументального (666 х 990 см)  полотна Паоло Веронезе свидетельствует уже тот факт, что картина расположена в Зале законодательного собрания - то есть, прошу отметить, прямо напротив небезызвестной "Джоконды" Леонардо да Винчи.

Интересно, что в образе музыкантов на переднем плане Веронезе изобразил знаменитых венецианских живописцев: Бассано, Тинторетто, Тициана - и, разумеется, себя любимого (изящный лысый бородач в центре). 

В свое время картина была написана по заказу братьев-бенедиктинцев обители Сан-Джорджо Маджоре в Венеции - однако в ходе Наполеоновских войн внезапно обрела нового владельца в лице Французского правительства. То, с какими немыслими трудностями картину траспортировали до "самого города Парижу", заслуживает отдельного описания. 

8 ноября 1798 года картина "Брак в Кане Галилейской" был впервые выставлена в Лувре и с той поры отказывается его покидать - невзирая на периодически возникающие требования вернуть картину Италии. Тщательность и мастерство, с каким написана эта вещь Веронезе, делают картину одним из главных сокровищ Лувра - так что отдавать ее итальянцам никто не намерен. 

"Большая одалиска" была написана Энгром в 1814 году по заказу сестры Бонапарта Каролины Мюрат и стала наглядным примером того, что следование анатомической правде вовсе не является обязательным условием для создания живописного шедевра. Судите сами: у "Большой одалиски" три лишних позвонка, правая рука неестественно длинна, как у самки шимпанзе, а левая нога вывернута под невозможным с точки зрения анатомии углом. 

Означает ли это, что "Большая одалиска" - не шедевр? Нет, нет и еще раз нет! Шедевр, у которого просто застываешь, открыв рот, и не можешь поверить, что эдакая красота создана столь несовершенным инструментом, как человеческие руки. 

Интересно, что голову "Одалиски" Энгр позаимствовал со своей же картины "Рафаэль и Форнарина" - то есть, перед нами, ко всему прочему, никто иной, как возлюбленная Рафаэля Санти - знаменитая "Булочница" (Форнарина)! 

Отметим, что великолепная техника Энгра и его свободный подход к материальному миру, который он с легкостью трансформировал под свои художественные задачи, сделал его своеобразным кумиром для мастеров авангарда начала 20-го столетия. Энгром восхищались Пикассо и Матисс, а Сальвадор Дали и вовсе числил его одним из лучших художников за всю историю живописи. 

Вероятно, главный интерес для Леонардо при написании "Мадонны в скалах" (1483 - 1486) состоял в том, чтобы, объединив все свои знание о сущем мире, создать произведение сверхъестественное, способное, в определенном смысле, поспорить с самой Природой . 

Отметим, точно такой же позиции в творчестве впоследствии придерживался великий каталонский архитектор Антони Гауди, считавший себя "прилежным учеником природы", но вовсе не собиравшийся слепо копировать созданное ею.

«Мадонна в скалах» - картина, в которой Природа играет едва ли не доминирующую роль - и в то же время в роли окончательного творца здесь выступает именно Леонардо. В картине "Мадонна в скалах" художник, среди прочего, бросает вызов всем сложившимся в живописи канонам изображения природы. 

Если другие художники укладывали природные объекты в "прокрустово ложе" своих художественных задач, распределяя их согласно заранее определенной ими схеме, Леонардо позволяет природе раскрыться во всей своей органической красе, изображая каджое растение, скалу или цветок с величайшей и скрупулезной точностью.

Эта "природная доминанта" картины "Мадонна в скалах" создает интересный эффект: изображенные в окружении буйства природы люди странным образом срастаются с ней в одно целое, утрачивая часть "человеческого", но полностью сохраняя "божественное"...читать полностью 

"Корабль дураков" (1495 - 1500) - одна из самых известных картин "сюрреалиста Средневековья" - нидерландского художника Иеронима Босха. В наши дни этот шедевр (58 х 33 см; доска, масло) составляет законную гордость коллекции Лувра, где он экспонируется в 10-ом зале на 2-ом этаже галереи Ришельё - так что, "будете в луврских краях" - не пропустите это сокровище ни в коем случае! 

Чтобы верно понимать эту картину (как, впочем, и все прочие произведения непостижимого Босха), важно помнить главное: свою уникальную фантазию, до сих с успехом повергающую зрителя в состояние шока, Иероним Босх поставил на службу Церкви, бичуя грехи слабого человечества с поистине впечатляющей изобретательностью...читать полностью

На портрете изображена Мария Рита Барренечеа-и-Моранте, в возрасте 18 лет вышедшая замуж в 1775 году за графа Карпио, получившего титул маркиза де ла Солана незадолго до кончины своей супруги в 1795 году. Примечательно, что Гойя написал этот портрет всего за несколько месяцев до смерти графини.

Смертельно больная маркиза заказала Гойе этот портрет, чтобы ее единственная дочь могла навсегда сохранить память о матери. Художник изобразил маркизу в полный рост, как и вообще часто делал в своих портретах аристократов, с поразительной глубиной передав тяжелый взгляд и серьезное выражение лица молодой женщины. 

 Сочетание серого и черного, оттененное розовым пятном, делают это произведение замечательным образцом колористической изысканности. С 1953 года картина является подлинным украшением коллекции живописи парижского Лувра...читать полностью 

"Распятие" - панель в центральной части пределлы большого алтаря, написанного Андреа Мантенья между 1457 и 1459 годами для церкви Сан-Дзено, Верона (Италия). Работа была заказана Грегорио Коррером, настоятелем этого монастыря, и в настоящий момент хранится в Парижском Лувре.

Главный алтарный образ с изображением Мадонны с младенцем Иисусом и святыми по-прежнему находится на большом алтаре церкви, а три элемента пределлы (нижней вытянутой части) оказались "по-братски" поделены между Лувром и музеем Тура, которому достались "Агония в оливковом саду" и "Воскресение"...читать полностью

"Коронация Наполеона", написанная знаменитым Жаком Луи Давидом в 1805 - 1808 годах - еще один шедевр Лувра, не увидев который, вы, увы, не сможете с чистой совестью воскликнуть: "Да, я был в Лувре и видел всё, что заслуживает внимания!"

Впрочем, мимо этой картины, выставленной в 75-ом зале галереи Денон, вы в любом случае не пройдете: для этого она слишком велика! 621 х 979 см - оцените размеры холста! 

Давид, находившийся в чудесных отношениях с Наполеоном, получил ценные указания на предмет будущей картины уже в сентябре 1804-го, а через две с половиной недели после самого события, растянувшегося на пять часов, приступил к ее написанию, растянувшемуся на два с лишним года. Известно, что в качестве своеобразного образца для подражания Давид избрал "Коронацию Марии Медичи" Рубенса...читать полностью

Один из главных скульптурных шедевров парижского Лувра - Ника Самофракийская, которой в определенном смысле повезло больше, чем Венере Милосской: за ней хотя бы сохранили ееё древнегреческое имя - в противном случае нам пришлось бы иметь дело с Викторией. 

Первоначально расположенная на цоколе в виде носа корабля, а в наши дни торжественно венчающая лестницу, созданную при Наполеоне III по проекту Гектора Лефюэля, статуя Ники Самофракийской является, по выражению Мальро, "шедевром времени и счастливого случая". 

Без головы, без рук, с отломанным напрочь правым крылом, довольно криво восполненным неумелой реставрацией из гипса, скульптура Ники действительно прекрасна. Красиво развернутый по диагонали корпус, как будто мокрая от морских брызг одежда создают впечатление, что Ника (по гречески - "победа") с высоты своего постамента отважно сопротивляется морской стихии...читать полностью

Если судьба окажется к вам настолько благосклонной, что возьмет за руку и поведет, улыбаясь, в Лувр - ни в коем случае не покидайте стен этого святилища мирового искусства, не увидев "Автопортрет с чертополохом" (1493) Альбрехта Дюрера!

В особенности этот совет касается художников, которых и во времена Дюрера, и в наши дни имеется, слава Богу, в достатке!

Им-то увидеть "Автопортрет с чертополохом" нужно в обязательном порядке - и не только потому, что Дюрер был замечательным живописцем и еще более искусным гравером. Не только потому, что Дюрер стал основоположником сравнительной антропометрии и внес значительный вклад в искусство фортификации - нет, не только и не столько из-за этого! Для всякого порядочного художника Дюрер важен прежде всего потому, что он стал первым мастером на севере Европы, писавшим автопортреты. Первым!..читать полностью

Даже мы, являющиеся, как известно, поклонниками более поздней живописи,  оказавшись в свое время перед "Клятвой Горациев", почтительно оцепенели: перед нами была Красота в чистом виде - та самая, что не нуждается в доказательствах и существует сама по себе, как случайное или намеренное воплощение идеала. 

Это не только наше мнение - были и еще люди... Давид работал над "Клятвой Горациев" в Риме, где Академия Святого Луки предоставила ему на длительный срок мастерскую. Летом 1785-го после месяцев напряженного труда картина была закончена, и когда публику допустили в мастерскую - Жак Луи впервые в своей жизни познал, что такое настоящий успех...читать полностью

Для картины "Астроном" (1668), как, впрочем, и для "Географа", написанного годом позже, Яну Вермееру позировал его друг, а после смерти художника - и душеприказчик Антони Ван Левенгук. Возможно, имя его известно широкой публике несколько менее, чем имена Галилея и Ньютона однако вклад Левенгука в науку весьма и весьма существенен.

Левенгук (1672 - 1723) в наши дни считается основоположником научной микроскопии, конструктором микроскопов, которому удалось достичь 500-кратного увеличения, что позволило ему исследовать жизнь на микроуровне на протяжении десятилетий...читать полностью 

Картина "Распятие с двумя донаторами" (ок. 1585) была заказана Эль Греко одним из двух персонажей, изображенных у подножия креста и предназначалась для алтари церкви монастыря иеронимитов в Толедо.  Сначала считалось, что в виде жертвователей (донаторов) изображены братья Коваррубиас, сыновья архитектора Алонсо де Коваррубиаса.

В наши дни большинство специалистов сходятся во мнении, что слева изображен Дионисио Мельгар, каноник вышеупомянутого монастыря, который занимался всеми организационными вопросами в связи с заказом. 

Что касается личности персонажа справа, она до сих пор не усталовлена: в качестве возможных "кандидатов" назывались несколько жителей Толедо, таких, как Блас де Фуэнтечада или Пабло Родригес де Белалькасар, но единого мнения по этому поводу до сих пор нет...читать полностью

Статьи по теме:

11 шедевров музея Прадо в Мадриде

Самые известные работы Леонардо да Винчи

Самые дорогие картины Сальвадора Дали

9 знаменитых шедевров Яна Вермеера

Самые известные картины Ван Гога

Самые известные картины Пикассо

В раздел "Блог" 

В раздел "Все экскурсии"

В раздел "Картины и художники"

На главную