Питер Пауль Рубенс - известные картины

Ведь простому смертному такое попросту не под силу! Спешим успокоить: Рубенс был человеком, а количество работ, как всегда в таких случаях, указывает, что вокруг имени Питера Пауля образовался целый бренд, и десятки учеников, среди которых, на минуточку, был сам Антонис ван Дейк (!), прилежно сотрудничали с маэстро Рубенсом или просто клепали шедевры, которые затем помечали автографом гения. 

Но любим мы Рубенса не за его предпринимательские таланты, а за то, что он был действительно великим художником - и при этом всесторонним, что встречается среди живописцев не так уж и часто. Он одинаково успешно писал картины на религиозные, мифологические, аллегорические сюжеты; создавал пейзажи, портреты и исторические полотна - и на каждой из этих работ лежит печать присущего Рубенсу таланта. 

Итак, самые известные картины одного из столпов искусства барокко - Питера Пауля Рубенса! 

Избиение младенцев  - картина Рубенса, написанная в 1610-ом и находящаяся ныне в Художественной галерее Онтарио (Торонто). Картину можно в полном смысле этого слова назвать трехмерной: размеры ее составляют 142 см х 183 см х 1,9 см, а вес - 93,9 кг!

Это первая из двух картин Питера Пауля Рубенса, изображающих эпизод библейской резни младенцев в Вифлееме, описанный в Евангелии от Матфея (2:13-18). Первый раз художник обратился к этому сюжету в 1610 году,  после возвращения  в родной Антверпен из Италии, где Рубенс провел 8 долгих лет.

Долгое время авторство картины приписывалось одному из помощников Рубенса, Яну ван ден Хекке. В 1902 году Королевским музеем изящных искусств Бельгии в Брюсселе как работа Антонина Салларта. Данная атрибуция считалась общепринятой очень долгое время. В 1920 году "Избиение младенцев" перешло в собственность одной состоятельной австрийской семьи. В 1923 году картина была передана в аренду Штифт Райхерсбергу, монастырю на севере Австрии.

В 2001 году картину увидел эксперт по фламандской и голландской живописи Джордж Гордон. Он был убежден, что картину написал именно Рубенс из-за сходства стиля и некоторых технических особенностей с картиной Рубенса "Самсоном и Далила", написанной примерно в то же время...читать полностью

Картина "Три грации" (221 х 181 см; холст, масло) была написана Питером Паулем Рубенсом в 1630-35 г.г. и в наши дни принадлежит обширной коллекции музея Прадо в Мадриде. 

Итак, "Три грации"... А где, собственно, "грации"? - возмущенно воскликнет зритель нашего 21-го века. Где "грации", если перед нами три еще молодых, но уже безобразно заплывших жиром тетки, явно имеющих предрасположенность к ревматоидному артриту? Где "грации"? Дряблые животы, обвисшие ягодицы, целлюлит и очевидное нежелание хоть в малой степени озаботиться своим внешним видом и сесть на диету! Вот такие они, "Три грации" Питера Пауля Рубенса! 

«Воздвижение Креста Господня» или «Водружение Креста» — триптих Питера Пауля Рубенса, написанный в 1609—1610 годах и отличающийся грандизоными размерами: центральная панель 460 х 340 см, и две боковые по 460 × 150 см.

В работе присутствуют явные черты итальянского ренессанса и барокко, позаимствованные у таких художников, как Караваджо, Тинторетто, Микеланджело. Центральная панель иллюстрирует чрезвычайное напряжение между множеством низкорослых атлетичных мужчин, пытающихся изо всех сил поднять крест с очевидно непосильной  тяжестью тела Христова.

Примечательно, что художники, как правило, изображали распятие уже свершившимся - Рубенс же предпочел сделать зрителя свидетелем казни. Палачи с яростным усилием поднимают крест. Лица их почти не видны, а напряжённые мышцы тел, стальные латы, тускло-красные одежды сливаются воедино. И кажется, будто не они, а живая волна подхватила Христа и несёт Его навстречу молящимся. Даже пригвождённый к кресту, Иисус Рубенса не безответный страдалец, а господин Своей судьбы

Как и многие другие шедевры Рубенса, сюжет Воздвижения Креста Господня полон действия. Однако движение надо искать не в тщательно проработанных позах или в капризных складках одежды, а в неповторимой игре красок, света и тени, за что Рубенса и считают гением своего времени.

Суд Париса — наименование, которое может относиться к любой из нескольких картин суда Париcа, написанных Рубенсом. Самые известные версии — 1636 и 1639 года, экспонируются в Национальной галерее в Лондоне и Национальном музее Прадо в Мадриде.

Сюжетом для картин послужил эпизод из троянского цикла мифов. Образы Афродиты, Афины и Геры на всех картинах иллюстрируют рубенсовский идеал женской красоты.

Написанная в 1638 или 1639 году, эта версия сейчас находится в Мадридском музее Прадо и была завершена незадолго до смерти художника, пока он болел подагрой. Она была заказана испанским королем Филиппом IV. После смерти Фердинанда перешла в испанскую королевскую коллекцию. В 1788 году Карл III посчитал картину неприличной и приказал сжечь её, но приказ так и не был приведён в исполнение.

На картине запечатлён библейский эпизод, в котором Самсон засыпает на коленях у Далилы. Подвиги Самсона описаны в библейской Книге Судей (гл. 13-16). Он происходил из колена Дана, наиболее страдавшего от порабощения филистимлян. Самсон вырос среди рабского унижения своего народа и решил отомстить поработителям, чего и достиг, совершив множество избиений филистимлян. 

Будучи посвящёным Богу в качестве назорея, он носил длинные волосы, служившие источником его необычайного могущества. Самсон поддался страсти к коварной филистимлянке Далиле (в русской традиции Далида), обещавшей филистимлянским правителям за вознаграждение выведать, в чём сила Самсона. После трёх неудачных попыток ей удалось узнать секрет его силы. «И усыпила его [Далида] на коленях своих, и призвала человека, и велела ему остричь семь кос головы его. И начал он ослабевать, и отступила от него сила его.» (Суд. 16:19) Утративший свою силу Самсон был захвачен филистимлянами, ослеплён, закован в цепи и брошен в темницу.

Рубенс использует библейских героев как исторических персонажей, не придавая им религиозного смысла. Основная сцена картины состоит из четырёх ярко освещённых лиц. Мускулистый Самсон уснул на коленях у Далилы, которая смотрит, как пришедший филистимлянин обрезает ему волосы — источник силы Самсона. Четвёртое действующее лицо — старуха-сводница, отсутствующая в библейском тексте. Рубенс перенёс место действия в бордель. Красное платье Далилы символизирует страсть и последующие кровавые события. Помимо изображения основного эпизода, Рубенс намекает на то, что должно произойти с Самсоном дальше. Так, в дверях видны солдаты с орудиями для ослепления.

В нише на заднем плане видна статуя римской богини любви Венеры с Купидоном, наклон головы которой повторяет позу Далилы.

Эту картину Рубенс писал для себя, а не на заказ. Картина считается своеобразным признанием художника в любви к своей второй супруге Елене Фурман. В картине много личного, она отражает отношение художника к жизни, его душевный подъём. Овдовев, 53-летний Рубенс в 1630 г. женился на 16-летней девушке. Хотя разница в возрасте была существенной, супружеские отношения, как и в первом браке художника, складывались очень гармонично.

На картине бросается в глаза внешнее сходство изображённых женщин: прямой нос, слегка выпуклые глаза, светлые волосы, пышность форм. Они похожи на Елену Фурман, которая часто позировала своему мужу. Однако и у обоих мужчин наблюдается сходство в чертах лица, в частности, их бородки-эспаньолки. Они похожи на художника, несмотря на то, что ко времени создания картины он выглядел уже значительно старше. Создаётся впечатление, что от счастья, которое художник обрёл в своей новой любви, он помолодел и многократно увековечил на картине себя и свою спутницу жизни.

Картину стоит рассматривать как некую историю и не справа налево, как кажется с первого взгляда, а, напротив, слева направо. В левой части влюблённый мужчина обнимает молодую женщину, она же находится в нерешительности, его прикосновения осторожны, в его позе и нежном взгляде отражается просьба отбросить холодность. В центре картины сидят три женщины, они символизируют три разные формы любви: экстатическую — женщина смотрит прямо, рассудительную — женщина смотрит на зрителя и материнскую — женщина с маленьким амурчиком на коленях. 

Неслучайно молодая женщина, изображённая в левой части полотна, появляется в своём синем платье в центре картины снова. Её взгляд отражает любопытство и желание любви, под чары которой она попала. В финале истории, справа мужчина и женщина в роскошных одеждах спускаются по лестнице. Мужчина держит уверенную в себе и гордую даму под руку. Их вид говорит об одном: они поженились.

«Сатурн, пожирающий своего сына» (исп. Saturno devorando a un hijo) — картина нидерландского (фламандского) художника Питера Пауля Рубенса, написанная в 1636—1638 годах. Была заказана для Торре-де-ла-Парада Филиппом IV Испанским. Ныне находится в Музее Прадо, Мадрид.

Картина демонстрирует влияние Микеланджело на Рубенса, которое он испытал во время своего путешествия в Италию. Три звезды в верхней части полотна представляют планету Сатурн, описанную Галилео Галилеем за несколько лет до создания картины. Центральная звезда — это сама планета, в то время как две другие представляют то, что Галилей считал двумя звёздами на одной линии с планетой.

На самом деле это были кольца вокруг Сатурна, которые его телескоп, из-за недостаточной мощности, не мог различить. Работа Рубенса повлияла на картину Гойи на ту же тему.

По заказу Марии Медичи, вдовы Генриха IV и регентши малолетнего короля Людовика XIII, пожелавшей украсить галерею своего только что построенного Люксембургского дворца, Рубенс между 1622 и 1625 г.г. лично пишет серию впечатляющих полотен (24 картины), прославляющую "выдающуюся жизнь и героические деяния" королевы.  

Располагая значительной суммой денег (60 000 ливров), художник блестяще и охотно справился с задачей прославления королевы-матери, перемежая в своем цикле исторические композиции с аллегорическим сценами, быль с вымыслом, эротику с церемониалом - одним словом, нагнал такого блестящего гламура, что королева нисколько не сожалела о потраченных деньгах. 

В этом смысле одним из самых показательных и восхитительных эпизодов цикла является сцена высадки королевы-регентши в Марселе, в которой Рубенс в полной мере дает волю своему барочному гению. В этой картине как ни в чем не бывало соседствуют свидетельства современной ему эпохи - костюмы, знамена, галера - и совершенно мифологические нереиды, волнующе-пышные тела которых занимают весь нижний регистр полотна и служат, безусловно, фокусом всей композиции. Какая там королева-мать...

В этой картине Рубенс использовал миф о братьях Диоскурах, сыновьях Зевса и Леды, Касторе и Полидевке, похитивших дочерей царя Левкиппа — Гилайру и Фебу. В этом сюжете Рубенса увлёк сам драматический момент похищения, дающий богатые возможности для пластических решений.

Сильными, мускулистыми руками юноши подхватывают нагих женщин, чтобы посадить их на коней. В отчаянии и испуге дочери царя обращают взоры к небу, как бы ища у богов спасения. На шеях взвившихся коней повисли маленькие весёлые амуры. Все восемь фигур искусно вписаны в круг, который в свою очередь красиво расположен в пределах почти квадратного поля. 

Низкий горизонт позволяет ясно читать сложный, прихотливый силуэт группы. Она построена на контрастах движений и цветовых пятен. Светлые, нежные тела обнажённых золотоволосых женщин искусно сопоставлены с загорелыми, крепкими фигурами тёмнокудрых мужчин. Красная, золотистая, белая и тёмно-зелёная ткани усиливают декоративный эффект цветовой композиции. Кажущаяся запутанность группировки рассчитана на то, чтобы производить впечатление напряжённости ситуации, но в то же время построение обладает строжайшей логической продуманностью. 

Клубок тел имеет три точки опоры, зафиксированные в упирающейся ноге коня, в месте упора правой ноги Диоскура и в точке опоры его левой ноги, которую как бы отталкивает рука Левкиппиды. Причём эти точки опоры расположены в разных удалениях от зрителя, тем самым как бы способствуя пространственной ориентации группы. 

Живо ощущается необыкновенная увлечённость великого художника нахождением разнообразнейших ракурсов, раскрытием богатства пластических состояний человеческого тела, в чём он вряд ли может иметь многих соперников. Движение в понимании Рубенса несёт в себе как эмоциональный порыв, так и ситуационный или сюжетный смысл. 

Но и в том и в другом случае оно, отталкиваясь от реальности, приобретает некую художественную условность, подчиняясь законам художественной организации форм на плоскости. Рубенс стремился сообщить композиции декоративный характер, доставить наслаждение многообразной красотой линий и форм в их переплетении, взаимопроникновении и сопоставлении. Своих смелых и дерзких героев Рубенс наделил красотой здоровой молодости, ловкостью, силой и кипучей жаждой жизни.

При создании статьи были использованы материалы из ВикипедиИ (Свободной энциклопедии)

Статьи по теме:

Самые известные картины Энди Уорхола

Самые известные работы Леонардо да Винчи

Самые дорогие картины Сальвадора Дали

Самые известные картины Ван Гога

Самые известные картины Пикассо

Самые дорогие картины Пабло Пикассо

Самые известные картины Рафаэля Санти

Путеводитель по Театру-музею Дали

В раздел "Блог" 

В раздел "Все экскурсии"

В раздел "Картины и художники"

На главную