Самые известные картины Тициана

Напротив, в свое время Тициан основал целую огромную мастерскую, которая сотнями клепала картины по заказу герцогов, королей, кардиналов и пап. 

Да и сам Тициан не почивал на лаврах, а активно работал, создав за карьеру сотни выдающихся произведений живописного искусства. В этой статье мы вспомним лучшие из них. Итак, самые известные картины Тициана! 

"Венера Урбинская" (также известная как "Лежащая Венера") - картина великого Тициана, начатая в 1532 или 1534 годах и законченная, предположительно, в 1538-ом. Обнаженная молодая женщина, традиционно отождествляемая с богиней Венерой, полулежит на кушетке или кровати в роскошной обстановке дворца эпохи Возрождения. 

В наши дни "Венера Урбинская" заслуженно является одним из главных "хитов"  Галереи Уффици во Флоренции - вот, пожалуй, и всё, что можно утверждать об этой картине наверняка.

В остальном мы вступаем в область самых разнообразных версий, гипотез и догадок - чем с таким рвением и любовью всегда горазды заниматься искусствоведы. Единственное, что также не подлежит сомнению, так это факт, что прообразом "Венеры Урбинской" послужила так называемая "Дрезденская Венера" (Спящая Венера) Джорджоне, написанная в 1510-ом...читать полностью

Конный портрет Карла V (1548) кисти великолепного Тициана призван увековечить победу Карла V в битве при Мюльберге, которая закончилась победой Карла - императора Священной Римской Империи и короля Испании. 

Победа в битве при Мюльберге означала и победу во всей Шмалькальденской войне, ставшей первым крупным вооруженным конфликтом католиков и протестантов. Католики под предводительством Карла победили - и потому у императора грозный и в то же время умиротворенный вид - он достиг своей цели и заслужил краткое отдохновение на полном тягот пути монарха. 

Используя свою излюбленную теплую цветовую гамму, Тициан изобразил императора-победителя вооруженным полупикой (оружие бойца легкой кавалерии) и массивным пистолетом с колесным замком...читать полностью

Картина "Даная", находящаяся ныне в коллекции музея Прадо в Мадриде, была написана Тицианом по заказу испанского короля Филиппа II в 1553 году. Вообще, творчество Тициана Вечеллио - крупнейшего представителя венецианской школы эпохи Высокого и Позднего возрождения - было высоко ценимо испанскими монархами.

В период с 1554 по 1562 Тициан выполнил по заказу короля Филиппа целых семь полотен на сюжеты из древнегреческой мифологии: "Даная", "Венера и Адонис", "Персей и Андромеда", "Похищение  Европы", "Диана и Каллисто", "Смерть Актеона". Сейчас эти работы принадлежат музеям разных государств, однако "Даная" - лучшая из всех - составляет безусловную гордость коллекции Прадо. 

Согласно мифологии древних греков, Даная - дочь царя Аргоса Акрисия и его законной жены Эвридики, а кроме того - мать небезызвестного Персея. Однажды Акрисию, отцу Данаи, было предсказано, что он погибнет от руки сына собственной дочери...читать полностью

Картина была написана для герцога Феррары Альфонсо д’Эсте. По свидетельству Вазари, она украшала дверцу шкафа с коллекцией античных монет в кабинете герцога. Картина является первым заказом герцога у Тициана. В 1598 году картина перешла в коллекцию семьи д'Эсте в Модене. В 1746 году куплена для дрезденского королевского собрания.

По всей видимости, сюжет картины был предложен заказчиком, избравшим слова Христа: «Воздайте Богу Богово, а кесарю кесарево» — лозунгом в борьбе с римскими папами, пытавшимися вернуть давно уже утраченную власть над Феррарой, формально входившей в число папских владений. Однако очевидно, что Тициана взволновал глубокий философский смысл сюжета.

Картина удивительно проста, лишена даже намёка на эффектность. Художник словно размышляя, сопоставляет на плоскости две фигуры. И в этом сопоставлении нет открытого драматизма: фарисей появляется справа из-за рамы картины, протягивает противнику монету; обернувшись к искусителю, Христос смотрит на него и внимательно, и рассеяно. Отказавшись от каких-либо деталей, монументализировав фигуры героев, сосредоточив на них всё внимание, Тициан достиг огромной ёмкости и образной сконцентрированности. Фигура Христа величаво господствует в картине, заполняя картину почти целиком, выделяется на тёмном фоне аккордом розово-красных и синих оттенков.

Если в образе Христа преобладает идеально-возвышенное начало, то в облике фарисея решительно подчёркнута некая заземлённая конкретность, его низость, ничтожество, полное пороками. Его рука смугла и жилиста, горбоносый профиль резок, лицо морщинисто, в ухе поблескивает серьга. Это как бы сама реальность, наделённая энергией и настойчивостью, грубая и отвратительная. Мощно написанная фигура едва появляется на картине. Тему встречи двух противоположных миров, мира возвышенных идеалов и реальной действительности, словно скрепляет и завершает, создаёт некую связь, выразительный контраст тонкой руки Христа, которая никогда не коснётся монеты, на которую указывает Христос, и мощной руки фарисея, крепко сжавшей серебряный динарий.

«Флора» — картина итальянского художника позднего Ренессанса Тициана, датируемая приблизительно 1515—1517 годами и ныне хранящаяся в Галерее Уффици во Флоренции.

На портрете изображена идеализированной красоты женщина по образу модели мастера венецианской школы Джорджоне, его Лауры. Но в этой работе молодого Тициана уже прослеживается его собственный стиль; в отличие от «символических» героинь Джорджоне, его Флора — земная, златовласая, пышущая здоровьем красавица. Её левая рука поддерживает бледно-розовую мантию, а в правой руке Флора держит букет весенних цветов — шиповника, фиалки и жасмина.

Изображённая женщина, известная как Виоланта, присутствует и в ряде других работ Тициана его раннего периода творчества, среди которых «Женщина перед зеркалом», «Тщеславие», «Саломея» и «Виоланта». Ведутся споры о значении образа героини портрета: одни, основываясь на подписях к репродукциям в XVI веке, называют женщину куртизанкой; другие видят в ней символ брачной любви, указывая на её белую классическую тунику как символ непорочности. 

Также она может символизировать гармонию непорочности и чувственности, так как одна грудь почти обнажена, а вторая полностью целомудренно закрыта. Её соотношение с Флорой, римской богиней весны и цветения, появилось позже из-за весенних цветов в её руке.

«Сельский концерт»  — картина эпохи итальянского Возрождения, приписываемая кисти художника венецианской школы живописи Тициану, по иной версии — Джорджоне да Кастельфранко. Написана около 1509 года. Картина хранится в Лувре, в Париже. Многие исследователи сходятся в том, что картина была начата Джорджоне и только закончена Тицианом после скоропостижной смерти гениально одарённого живописца в 1510 году во время эпидемии чумы в Венеции. Похожая ситуация связана с другой знаменитой картиной Джорджоне «Спящая Венера».

Среди многих гипотез о содержании картины наиболее убедительной является «музыкальная». Согласно этой гипотезе, музицирующие юноши в костюмах венецианских патрициев и обнажённые женские фигуры — нимфы природы — находятся в двух различных мирах, они не видят друг друга, и поэтому на картине они пластически не взаимодействуют. Тихий «беллиниевский» пейзаж символизирует гармонию. В этом пейзаже «дриады, наяды и нимфы одушевляют собой источники, леса, поля и луга… Так и в „Сельском концерте“: одна из них — со свирелью в руках, подобная своему далёкому прообразу — обнаженной флейтистке на рельефе, изваянном на „Троне Людовизи“ в V веке до н. э., и другая — с кувшином у водоёма — составляют единое целое с пейзажем».

Французский живописец Эдуар Мане увидел картину «Пасторальный концерт» в Лувре, и этот шедевр вдохновил его на написание знаменитого «Завтрака на траве» (1863).

Тициан создал новаторскую композицию, смело совместив несколько иконографических традиций. В вертикальном формате он выделил три уровня: внизу показаны восторженно жестикулирующие апостолы, выше Дева Мария с воздетыми руками в позе Оранты, на облаках, влекомая херувимами и ангелами, похожими на путти, а выше сам Бог Отец готов принять душу Марии. Картина пронизана бурным движением, будто Тициан стремился в ней преодолеть традиции венецианских алтарных картин предыдущего периода. «Мария не всплывает, а буквально уносится вверх. Это соответствует догмату физического принятия Марии на небеса. Это движение вверх видно также по направлению рук жестикулирующих апостолов»

Тициан учитывал масштаб и характер пространства нефа и апсиды церкви. Подчёркивая перспективу снизу вверх, он не случайно выбрал сильно вытянутый формат, а в цветовом решении, безусловно, учитывал свет, льющийся из окон по обе стороны алтаря. Золотой фон картины считают данью уважения традициям венецианской мозаики, поскольку Тициан в юности начинал своё обучение в качестве художника-мозаичиста.

Композицию Тициана считают «рубежной», отражающей важный поворот в мировоззрении человека эпохи Возрождения. Это произведение, в частности, интерпретируется как отделение искусства живописи от власти церкви и знаменует в истории искусства начало эпохи «Великих алтарей» (Аltari grandi). В искусстве Северного Возрождения подобные композиции именовали нем. Himmelfahrt — «Вознесение», или нем. Erhöhung — «Возвышение». 

Впервые в истории искусства религиозная картина стала не только «моленным образом», но и эстетически выразительной. Главными стали физическая красота и динамика телесного Вознесения Богоматери. Тем самым был создан новый тип живого, «подвижного главного алтаря», который должен был характеризовать всю последующую эпоху барокко, и ему было суждено найти множество преемников, включая Корреджо и Питера Пауля Рубенса.

«Венера и Адонис» (итал. Venere e Adone) — полотно Тициана, написанное около 1553 года. Картина входит в серию из семи работ Тициана, созданных для испанского короля Филиппа II в XVI веке. В то время они считались настолько откровенными, что их завешивали гардиной в присутствии дам. В настоящее время выставлена в музее Прадо в Мадриде.

Позднее Тициан написал ещё несколько вариантов этой картины, которые сейчас хранятся в Лондонской Национальной галерее, музее Гетти в Лос-Анджелесе, нью-йоркском музее Метрополитен, музее Ашмола в Оксфорде, римской Национальной галерее старинного искусства, а также в Национальной галерее искусства в Вашингтоне.

Один из вариантов картины временно экспонировался в музее им. Пушкина. Картина поступила в музей как копия неизвестного автора с картины Тициана. В. Э. Марковой картина была атрибутирована как подлинник Тициана. Позднее ею же высказано предположение, что именно московский вариант картины является прототипом, с которого писалась картина музея Прадо.

Картина Тициана «Пьета» является последним произведением мастера. Она отличается мрачной выразительной силой и трагическим настроением, необычными для венецианского искусства. Иконография и стиль картины на первый взгляд кажутся странными: тёмные краски, «рыхлый» рисунок, множество бликов и чёрных контуров, отсутствие чёткости в моделировке фигур. «Формы появляются как призраки из окружающей тьмы, а масса уменьшается до мерцающего узора цвета и света»

Действие происходит на фоне эдикулы — архитектурной ниши в «рустичном», маньеристическом стиле Джулио Романо и его школы, что не соответствует евангельскому повествованию. Фигуры Девы Марии, поддерживающей тело Христа и коленопреклонённого Никодима, кажутся слишком мелкими. Стоящая слева Мария Магдалина показана в резком движении с призывающим жестом правой руки. Неясно: она только что прибыла не место происшествия или в ужасе и отчаянии убегает.

По интерпретации Сиднея Дж. Фридбурга, это «не столько картина о христианской смерти и трагедии, сколько великолепное и страстное подтверждение как искусства, так и жизни. Истинный главный герой — Магдалина, сияющая зелёным светом на золотом фоне, которая выходит из картины в реальный мир, крича, осязаемая, величественная и одна с нами в этой жизни. Она изображает крик горя, но производит эффект провозглашения победы». Считается, что под видом старца Никодима Тициан изобразил самого себя. В годы написания картины художнику было около восьмидесяти шести лет.

«Кающаяся Мария Магдалина» (итал. Maddalena penitente) — картина, написанная около 1565 года итальянским художником Тицианом Вечеллио (Tiziano Vecellio, 1488/1490—1576). Принадлежит Государственному Эрмитажу в Санкт-Петербурге.

Согласно преданию, именно эту картину держал в своих руках умирающий Тициан. После его смерти, последовавшей в 1576 году, картина перешла по наследству к его сыну Помпонио Вечеллио (Pomponio Vecellio), который в 1581 году продал её вместе с домом и другими картинами Кристофоро Барбариго (Cristoforo Barbarigo) из Венеции.

В 1850 году при содействии русского консула Александра Хвостова собрание картин Барбариго было приобретено Николаем Первым для музейной коллекции Эрмитажа. Впоследствии «Кающаяся Мария Магдалина» была помещена в один из итальянских кабинетов Нового Эрмитажа, где она находилась вместе с другой известной картиной Тициана «Венера перед зеркалом».

При создании статьи были использованы материалы из ВикипедиИ (Свободной энциклопедии)

Статьи по теме:

Знаменитые картины Диего Веласкеса

9 шедевров Яна Вермеера

Самые известные картины Энди Уорхола

Самые известные работы Леонардо да Винчи

Самые дорогие картины Сальвадора Дали

В раздел "Блог" 

В раздел "Все экскурсии"

В раздел "Картины и художники"

На главную